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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “Del mito al tópico; del tópico a los géneros”.
Invitado: Eduardo Russo. Doctor en Psicología Social. Dirige el Doctorado en Artes de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata. Profesor de “Teorías del Audiovisual” y de “Análisis y Crítica”. Autor de “Diccionario de Cine” (Paidós, 1998) y “El cine clásico: itinerario, variaciones y replanteos de una idea” (Manantial, 2008). Compilador y autor de “Interrogaciones sobre Hitchcock” (Simurg, 2001), “Cine Ojo: un punto de vista en el territorio de lo real” (2007), “Hacer Cine: Producción Audiovisual en América Latina” (Paidós, 2008). Dirige la publicación académica “Arkadin. Estudios sobre Cine y Artes Audiovisuales”.
Temas desarrollados: Diferencias entre tópico y cliché. El aporte de Gilles Deleuze; su mirada sobre el siglo veinte,“el siglo del cliché”. Mutación hacia el audiovisual contemporáneo. La sociedad de redes del siglo veintiuno. Las miradas crepusculares sobre lo cinematográfico. Desplazamiento del centro. La comedia como género que piensa los géneros y subvierte sus propias reglas. Licencias de la comedia en el tratamiento de los roles sexuales: lo queer. Tópicos en las vanguardias cinematográficas. El humor en Franz Kafka. La identificación como dificultad para el humor. La figura del antihéroe en los 60/70. De lo crepuscular a lo apocalíptico. La deconstrucción por la deconstrucción misma, como apuesta contemporánea. Estructura de las series. Casos de borde. Estructura de las soap ópera (telenovelas norteamericanas). Identificación con el villano. Estrategias narrativas de las producciones de “El Pampero Cine”. Nuevas formas identificatorias. Incorporación de las nuevas plataformas.
Autores, películas y series mencionadas: Howard Hawks, Luis Buñuel, “Alicia en las ciudades” (Wim Wenders, 1974), “Blow up” (Michelángelo Antonioni, 1966), “La caracola y el clérigo” (Germaine Dulac, 1928), “Funny games” (Michael Haneke, 1997), “Crímenes del futuro” (David Cronenberg, 2022), “Saló. Los 120 días de Sodoma” (Pier Paolo Pasolini, 1975), “Cowboy de medianoche” (John Schlesinger, 1969), “¿Qué pasó con Baby Jane?” (Robert Aldrich, 1962), “La última película” (Peter Bogdanovich, 1971), “Ciudad dorada” (John Huston, 1972), “¿Quién golpea a mi puerta?” (1967) y “Taxi driver”(1976) - ambas de Martin Scorsesse -, “Breaking bad” (2008-2013) y “Better Call Saul” (2015-2022) (series de Vince Guilligan), “El camino” (Guilligan, 2019), “Roma” (Alfonso Cuaron, 2018), “Mulholland drive” (2001) y “Twin peaks, el retorno” (serie, 2017) - ambas de David Lynch -, “Dallas” (1978-2014) -serie de David Jacobs-, “Falcon Crest” (1981-1990) -serie de Earl Hamner-, “La flor” (Mariano Llinas, 2018), “Argentina, 1985” (Santiago Mitre, 2022), “División Palermo” (2023) – serie de Santiago Korovsky -.2 weeks, 4 days ago por LuisFrancCine - 39 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “Un tumor se expande”.
Invitado: Rocco Carbone (@roccocarboneok). Filósofo italiano, naturalizado argentino. Vive en Buenos Aires. Su área específica es la filosofía de la cultura, las lógicas del discurso y los procesos culturales y políticos del mundo, especialmente de Latinoamérica. Estudió en la “Università degli Studi della Calabria” con argentinos exiliados. Doctor en Filosofía por la Universidad de Zúrich. Investigador del CONICET. Trabajó junto a David Viñas en la Universidad de Buenos Aires (UBA). Escribe en el medio digital “El cohete a la luna” sobre la mafia enquistada en la vida política argentina; específicamente en la teoría del Estado del gobierno de la Alianza Cambiemos. Se pueden leer sus textos aquí: https://www.elcohetealaluna.com/author/rocco-carbone/.Entre su vasta obra se cuenta: “Mafia argentina. Radiografía política del poder” (Ediciones Luxemburg/CEFMA, Buenos Aires, 2021); “Serafina Dávalos. Feminista” (Ediciones UNGS, Los Polvorines, 2020); “Mafia capital. Cambiemos: las lógicas ocultas del poder” (Ediciones Luxemburg/CEFMA, Buenos Aires, 2019); responsable de las compilaciones “Museo de las Lenguas de la Eterna” (Universidad Nacional de General Sarmiento/Biblioteca Nacional/Museo del Libro y de la Lengua, Los Polvorines/Buenos Aires. 2012) y “La sonrisa de mamá es como la de Perón: Capusotto, realidad política y cultura” (del autor y Matias Muraca - del Imago Mundi/Universidad Nacional de General Sarmiento, Buenos Aires/Los Polvorines. 2010)
Temas desarrollados: Definición de mafia. Cuando la mafia se apodera del aparato estatal. El caso argentino. La mafia como poder invisible. Reconstrucciones ficcionales. El sur de Italia como paradigma. Los casos de Estados Unidos, China y Rusia. “Los monos” en la ciudad de Rosario. Negocios ilegales de la mafia: trafico de estupefacientes, de personas, contrabando de armas de guerra. Negocios legales: bares, restaurantes, recolección de basura, construcción de autopistas, peajes, compañías de aviones low cost, energías renovables. Acumulación de poder y colonización de los estados como objetivo central. El experimento de la alianza Cambiemos durante el período 2015-2019. La década del treinta como recurrencia. Las mafias como antiguas formas culturales, elaboradoras de mitos y lenguajes propios. Las canciones de la mafia. La mafia como narrativa. Aportes y reduccionismos en “El padrino”. Disputas de poder entre organizaciones. La mafia calabresa. La Cosa Nostra. De la violencia continua a la violencia necesaria.
Autores, películas y series mencionadas: Pier Paolo Pasolini, “El padrino” (Francis Ford Coppola, 1972), “La joya de Shangai (Zhang Shimou, 1995), “La maffia” (Leopoldo Torre Nilsson, 1973), “La mala vida” (Hugo Fregonese, 1973), “Gomorra” (Mateo Garrone, 2008), “Peaky Blinders” (serie) (2013-2022), “Breaking bad” (2008-2013) y “Better Call Saul” (2015-2022) (series de Vince Guilligan).3 weeks, 4 days ago por LuisFrancCine - 41 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Deconstruir la oscuridad”"
Tema del día: Pensar el cine de la dictadura cívico militar argentina 1976/1983. Su sistema simbólico, lo que tienen en común además de sus variados aspectos. El cine pos dictadura y su tendencia realista y discursiva, en paralelo a la conformación de imágenes alternativas, como el cine de Jorge Acha.
Entrevistamos a José Luis Visconti, Licenciado en Comunicación Social por la UNLP. Periodista, poeta y crítico de cine en Hacerse la crítica. Autor de los libros “La senda tenebrosa: una aproximación a la imagen de la mujer en el cine argentino entre 1990 y 2007” y “El peligro está en los vivos. Representaciones y omisiones en el cine argentino 1976/1983”. Con él recorrimos algunos puntos de este último trabajo, como las películas institucionales de Palito Ortega, la picaresca de Porcel y Olmedo, la exaltación de los servicios de inteligencia con la saga de los Superagentes y las publicidades de la época. Además destacó algunos casos a contracorriente, como el cine de Adolfo Aristarain.
Durante el segundo tramo conversamos con Pablo Piedras, Dr. En Filosofía y Letras (Artes combinadas – UBA), adjunto en la cátedra “Historia del cine latinoamericano y argentino”, investigador adjunto del CONICET. Autor de “El cine documental en primera persona” y de sendas compilaciones como la publicación “Jorge Acha, una eztetika sudaka”, donde se encuentra un trabajo suyo titulado “A contracorriente”, sobre la obra de este director. Con el recorrimos los modos en que el primer período democrático se acercó a la temática de la dictadura, por medio de los géneros tradicionales y el espectáculo, en contraposición al tratamiento de los cuerpos del prisionero en una celda y de su torturador con la gran película de Acha, “Habeas corpus” (1987). (la obra de este gran autor se puede visualizar completa en https://jorgeluisacha.wordpress.com/cine/peliculas/).1 year, 5 months ago por LuisFrancCine - 47 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Latinoamérica: el todo y las identidades"
Tema del día: Pensar Latinoamérica desde su cine. Formas latinoamericanas. Temáticas y estéticas de la periferia. Latinoamérica, entre salas y festivales. La oposición a la mirada eurocéntrica. Modos de presentación de los ámbitos naturales. El Nuevo Cine Latinoamericano de los años sesenta como inflexión. Pensamiento de las imágenes latinoamericanas contemporáneas. Incorporación de nuevas tecnologías.
Entrevistamos a Francisco Álvarez Ríos, realizador ecuatoriano y programador del festival internacional “Cámara Lúcida” (https://www.ecamaralucida.com/). Luego contamos con la palabra del realizador y ensayista Gustavo Galuppo Alives, quien se explayó sobre su texto “Memoria vegetal. Variaciones sobre el (neo)realismo latinoamericano”, aparecido en la última edición de la revista Kilómetro 111 (http://kilometro111cine.com.ar).1 year, 5 months ago por LuisFrancCine - 80 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tensar la frontera de los géneros”.
Tema del día: De la mirada tradicional en el cine – apoyada en la confirmación y naturalización del mundo heterosexual como "orden natural" – a la apertura a cuerpos como multiplicidad.
En el primer tramo del programa entrevistamos a Marco Berger (@marcobergercine), notable director argentino que trabaja en su obra la percepción del mundo gay - “Plan B” (2009), “Ausente” (2011), “Mariposa” (2015), “Taekwondo” (2016), “Un rubio” (2019) o “Gualeguaychú, el país del carnaval” (2021), entre otras - Marco se dedicó a brindar un amplio panorama de sus búsquedas de cámara, el trabajo con los cuerpos que habitan el cuadro cinematográfico, los tiempos de sus planos y la construcción de los espacios. Sobre el cierre de la entrevista, reflexionó sobre
Luego charlamos con Lucas Martinelli (@lucasmarciane), Dr. en Estudios de Género y Licenciado en Artes por la UBA, investigador en e, tituto Interdisciplinario de Estudios de Género (Univ. De 3 de Febrero), compilador del texto ”Fragmentos de lo queer: arte en América Latina” y autor de “Rondas nocturnas. Sexo, exclusión y extravío en el cine argentino”, de próxima aparición. Lucas trazó un interesante panorama sobre las tradiciones de la imagen cinematográfica, sobre todo del cine argentino, marcando dos momentos clave: los años sesenta y los noventa. Durante la charla analizó películas como “Piel de verano” (Leopoldo Torre Nilson, 1961) y “Los jóvenes viejos” (Rodolfo Kuhn, 1962). Luego de pasar por algunas reflexiones sobre el cine latinoamericano, nos dedicamos a abordar desde que lugares se establece o no el quiebre con las tradiciones en “Las hijas del fuego” (Albertina Carri, 2018) y en la obra de Pedro Almodovar.1 year, 1 month ago por LuisFrancCine - 41 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: ""Una cámara registra"
Tema del día: Surgimiento de los primeros registros. La observación convive con la puesta en escena. Alternativas del documental. El documental apócrifo. Períodos del documental a través del tiempo.
Contamos con la palabra de Luis Bernardez - director de "Los corroboradores" (2018) - con quien reflexionamos sobre el hecho documental y sus posibilidades, haciendo eje en su propio material. Luego entrevistamos a Emilio Bernini - Doctor en Letras (UBA) y editor de la revista de teoría cinematográfica "Kilómetro 111" - ,quien estableció los diferentes períodos del documental desde los comienzos del cine hasta el presente, tema trabajado extensamente en su ensayo "Tres ideas de lo documental. La mirada sobre el otro" (Kilómetro 111 - Número 7 - año 2014).1 year, 6 months ago por LuisFrancCine - 57 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “La mirada a través del tiempo”.
Tema del día: El espectador desde los comienzos del cine hasta el presente. Del tiempo de las creencias al quiebre en la Segunda Guerra Mundial. Los tiempos presentes del espectador y la relación con la digitalización y los nuevos dispositivos. Del espectador al crítico. Edades de la crítica de cine y la tarea del crítico de hoy.
En esta ocasión invitamos a Eduardo Russo – teórico, docente, crítico, Director del Doctorado en Artes de la Universidad de La Plata, director de la `publicación “Arkadin”, autor de uno de los diccionarios de cine locales más consultados y habitual traductor y prologuista de las ediciones argentinas de los textos del cineasta y teórico Jean Louis Comolli – y Roger Koza (@ojosabiertos1968) - crítico, docente, director de la publicación virtual “Con los ojos abiertos” (http://www.conlosojosabiertos.com/), creador y conductor del espacio radial “La oreja de Bresson” (Radio Universidad – AM 580) y del programa televisivo “El cinematógrafo” (Canal 10 de la Universidad de Córdoba), director artístico del Festival de Cine de Cosquin y del Doc Buenos Aires - .
La dinámica en esta oportunidad se planteó con ambos invitados juntos, abriendo el juego Russo con reflexiones sobre el último texto de Comolli: “El fin de la ilusión. Paradigmas, transformaciones y tensiones en la construcción del espectador audiovisual” (Ediciones UNGS), donde plantea las diferentes edades del espectador de cine, desde los comienzos hasta la conformación de la creencia en el mundo a través de la pantalla, luego el momento en que dicha creencia se rompe, hasta los tiempos actuales con la digitalización y las nuevas tecnologías que suscitan nuevos vínculos con las imágenes y usos de los dispositivos.
A continuación, establecimos un puente para que Koza despliegue su pensamiento sobre el tema conectando la figura del espectador y el crítico, con eje en su texto sobre lo que considera que son hoy las tres formas actuales de la crítica cinematográfica: “Breves apuntes sobre una física de la crítica” (http://www.conlosojosabiertos.com/breves-apuntes-sobre-una-fisica-de-la-critica/). Finalmente, reflexionó sobre la necesidad de tender un puente crítico entre las culturas, experiencias e impresiones de los siglos veinte y veintiuno.
Ambos invitados se dedicaron todo el programa a establecer los vasos comunicantes entre las problemáticas del espectador y la crítica.1 year ago por LuisFrancCine - 66 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “De espectáculos y Sueños”.
Tema del día: La herencia teatral del musical. La promoción de una ilusión. La creación de un mundo tan artificioso como verosímil. Praxis del musical. Componentes perceptuales a partir de la sonoridad y la organización de la puesta en escena de un musical.
En el primer tramo del programa conversamos con Agustina Buchbinder (@agusbuch) - Licenciada y Profesora en Letras por la UBA; docente de Lengua y Literatura en nivel medio e investigadora en teoría literaria y literatura española; crítica en Revista Encuadra (@revistaencuadra) donde dictó en Julio de 2021 el curso “Un gigantesco sueño: ideas sobre el musical”, y estudiante de comedia musical -. Con ella abordamos aspectos como el musical clásico del Hollywood de los años cincuenta, los juegos con el absurdo, la idea del verosímil que incluye un artificio expreso, el quiebre planteado en los sesenta y setenta con casos como “Wes side story” (Robert Wise, Jerome Robbins, 1961) u “All that jazz” (Bob Fosse, 1979), el caso en los ochenta de “Little shop of horrors” (Frank Oz, 1986) y el concepto deleuziano de “sueño implicado” para pensar este género.
En el segundo tramo tuvimos la presencia de Augusto Sinopolli (@augusto.sinopoli) – Licenciado en Dirección Orquestal (UCA) e integrante de la Compañía Teatral Old Tempest (@oldtempest) a punto de estrenar su séptimo trabajo -. Con él conversamos del modo de estructurar un musical, de la incorporación al mismo de la danza, del canto, de los momentos de interrupción o de baja de la intensidad en medio del mismo espectáculo, de los aspectos que debe tener en cuenta un director de orquesta, del rol central de la voz y sus diversas posibilidades (como la voz en relación al canto, a la actuación, a los diferentes estados emocionales como los momentos meditativos, al uso de los leitmotiv en momentos específicos), de los modos de aparición de la ópera en el cine y los peligros en ciertos usos de tal género.11 months ago por LuisFrancCine - 16 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "No veo cine argentino: una zoncera extendida".
Tema del día: ¿Existe un modo de representación argentino? ¿Un estilo o forma argentina del cine?.
Piensa el tema con nosotros el crítico Marcos Vieytes. Charla sobre perspectiva de género en el cine argentino con Alejandra Portela - docente y directora de contenidos del sitio Leedor.com - y Kekena Corvalan - docente y curadora feminista.1 year, 8 months ago por LuisFrancCine - 178 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “La torre de Babel del cine argentino”
Tema del día: Formas a través del tiempo en el habla del cine argentino. La tradición y sus quiebres. Relación con las formas actorales. La palabra autorizada. Formas regionales. Ciudad, ciudades, periferias.
Aprovechamos en esta ocasión la reciente publicación del libro “El cine como eco. Vaivenes de la lengua en el cine argentino” (coedición entre la Biblioteca ENERC INCAA y Ediciones CICCUS) de Fernando Varea - Licenciado en Comunicación Social (Universidad Nacional de Rosario), periodista e investigador especializado en medios audiovisuales, docente, colaborador en medios gráficos y programas radiales, programador de ciclos de cine, autor de “El cine argentino durante la dictadura militar 1976/1983” (Editorial Municipal de Rosario, 2006) y otras publicaciones, autor-editor del blog Espacio Cine (https://espaciocine.wordpress.com/) – a quien invitamos a exponer los tópicos centrales de su recorrido en el texto. De este modo, pasamos por las palabras que sobreviven o no al paso del tiempo en el cine argentino, los diferentes modismos y dialectos, la escasez de lo regional, el rol central de la generación del ochenta en la tradición de la lengua, las “palabras autorizadas”, los problemas que se plantean en las periferias que surgen en “Tire die” de Fernando Birri, el reemplazo de la idea de “evolución” de la lengua por “sacudidas”, el uso del lenguaje en “Pizza, birra, faso” en oposición a la tradición, el advenimiento del tango en el cine con la llegada del sonoro, el rol central de la radio y los radioteatros, los usos del lunfardo que aún se mantienen hasta hoy, el lenguaje en Leonardo Favio, el concepto de “actor popular” de Osvaldo Pelletieri en los personajes de Nini Marshall, la intersección de voces en “La ciénaga” de Lucrecia Martel, los usos de la política, la mención ambigua a Perón en “Los jóvenes viejos” de Rodolfo Kuhn y el tono crítico del Nuevo Cine Argentino de los sesenta.
Autores y películas que se mencionaron: “Nobleza gaucha” (Humberto Cairo, Ernesto Gunche, Eduardo Martínez de la Pera, 1915), “La guerra gaucha (Lucas Demare, 1942), “Tire die” (Fernando Birri, 1960), César González, “Pizza, birra, faso” (Adrián Caetano, Bruno Stagnaro, 1998), Pepe Arias, Carlos Gardel, “Así cantaba Carlos Gardel” (Eduardo Moreira, 1935), “El dependiente” (Leonardo Favio, 1969), “Se nos fue redepente” (espectáculo teatral de Nini Marshall comenzado a escribir en los años 40, y estrenado en 1973), “La ciénaga” (Lucrecia Martel, 2001), “Los jóvenes viejos” (Rodolfo Kuhn, 1962).4 months, 1 week ago por LuisFrancCine - 32 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “El fin de la ilusión”
Tema del día: Quiebre de la forma clásica. La imagen-tiempo. El concepto de vidente. Cine moderno como un nuevo hábito. Autores representativos. Cine moderno y cine de autor.
Pensamos el tema junto a Fernanda Alarcón (@ma.fernanda.alarcon) - Licenciada en Artes (UBA), docente de Análisis y Crítica de Cine y de Historia de las Artes Audiovisuales; coordinadora de los talleres “Miradas degeneradas” y “Máquinas de mirar” en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA); su tesis de maestría fue “Figuras vacilantes, paisaje, espectro y jardín en el cine de Lucrecia Martel” -. Abordamos el surgimiento, apogeo y caída del cine moderno desde los años sesenta; el aporte a la modernidad cinematográfica de Brian de Palma, Steven Spielberg, Martin Scorsesse y Francis Ford Coppola, luego opacados por sagas o seriales; los ejemplos de Ingmar Bergman, Federico Fellini, Apichatpong Weerasethakul, Abbas Kiarostami, Lucrecia Martel, Pedro Costa y Paz Encina ; sobre cómo el cine moderno resurge en el nuevo cine argentino y en cines periféricos; las diferencias y similitudes entre cine moderno y cine de autor; las influencias de las vanguardias de los años veinte en la modernidad cinematográfica; sobre qué estructuras suele elegir la cinefilia; la elusión del conflicto central; la incorporación de un nuevo hábito; el efecto de “Mi vecino Totoro” de Hayao Miyazaki; sobre el concepto deleuziano de vidente y cómo generar la videncia en los espectadores; el tiempo como tema; el plano secuencia fijo como cliché contemporáneo, la trampa de “El arca rusa” de Alexsandr Sokurov; las estrategias de David Lynch como autor convocante y sus diferencias con Alain Resnais a través de “Hiroshima mon amour” y “Providence”; Alfred Hitchcock y Orson Welles como autores entre clasisismo y modernidad; la subversión de ciertos cánones narrativos por parte de Hitchcock con los casos de “Psicosis” y “Vértigo”; la posmodernidad en Mariano Llinas, Peter Greenaway y Quentin Tarantino; el manierismo según Serge Daney y la referencia a la mirada contemporánea de “Todo en todas partes al mismo tiempo” de Daniel Kwan y Daniel Scheinert.
Autores y películas que se mencionaron: Brian de Palma, Steven Spielberg, Martin Scorsesse, Francis Ford Coppola, Ingmar Bergman, Federico Fellini, Apichatpong Weerasethakul (“Memoria”, 2022) Abbas Kiarostami (“Donde está la casa de mi amigo”, 1987), João Pedro Rodriguez, Miguel Gomez, Pedro Costa, Alain Resnais (“Hiroshima mon amour, 1959 – “Providence”, 1977), Hayao Miyazaki (“Mi vecino Totoro”, 1988), Lucrecia Martel, Alfred Hitchcock (“Vértigo”, 1958 - “Psicosis”, 1960), Orson Welles, Paz Encina (“Eami”, 2022), Alexsandr Sokurov (“El arca rusa”, 2002), Mariano Llinas, Peter Greenaway, Quentin Tarantino, Daniel Kwan y Daniel Schneinert (“Todo en todas partes y al mismo tiempo”, 2022).9 months, 1 week ago por LuisFrancCine - 22 plays
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Editorial: “Pensamiento y cine, en ese orden”
Tema del día: Usos y abusos de la filosofía y el psicoanálisis para el análisis cinematográfico. El abordaje de Gilles Deleuze. Las fuentes de su filosofía. Los procesos de percepción en el cine, que se fueron perdiendo. ¿Qué es una imagen? El aporte del psicoanálisis tomando aspectos que desbordan los límites del yo, en oposición al psicoanálisis aplicado. Deleuze como moda.
En el comienzo y cierre del programa contamos con la palabra de Ricardo Parodi (@ricardoparodi02) – fundador y coordinador del “Centro de Teoría de la Imagen”, de los principales teóricos argentinos, con amplia experiencia curatorial y docente y vasta producción académica sobre filosofía del cine, especialmente centrada en el pensamiento de Gilles Deleuze -. El mismo planteó la diferencia entre “filosofía y cine” y filosofía “del” cine, reflexionando sobre el cine como “productor de filosofía” en oposición a los usos institucionales de la filosofía; además de explayarse sobre como los procesos perceptivos en el cine se han ido perdiendo, y el cine narrativizándose e institucionalizándose cada vez más. También hizo mención a modos de percepción contemporáneos donde sobreviene aún la búsqueda de una imagen; en tal sentido citó como ejemplo a cineastas mujeres como Kira Muratova o Jutta Bruckner. Luego brindó un panorama sobre el estado actual del cine argentino para finalmente mencionar a Spinoza, Hume, Nietszche, Bergson y Marx como fuentes de la filosofía deleuziana.
También contamos con la palabra de Olga Pilnik (@juliagrink) – psicoanalista, docente, supervisora clínica en diversas instituciones, con trayectoria en publicaciones del medio como “Letrafonía” donde publicó trabajos como “Montaje cinematográfico y angustia” y “El problema del tiempo en la representación cinematográfica”; autora de dos libros de cuentos: “Los días de noche” y “El vestido de arpillera” (bajo el seudónimo de Julia Grink) -. Se refirió a las relaciones entre cine y psicoanálisis y del cine como productor de pensamiento, planteando la diferencia entre pensar al cine desde una óptica psicoanalítica tomando aspectos que desbordan los límites del yo, fuera de los componentes narrativos de una película; y abordar una película para “psicologizarla” poniendo la teoría para “aplicarla al cine” (psicoanálisis aplicado). También destacó el valor del concepto de “opsigno” de Deleuze, como apertura al pensamiento.1 year, 1 month ago por LuisFrancCine - 112 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Tema del día: Tensiones e integraciones entre lo académico y lo popular. La filosofía de Rodolfo Kusch como exponente de las integraciones de las culturas europeas y latinoamericanas. Los “puchometrajes”, cine hecho por Kusch. Cines latinoamericanos que expresan tales preocupaciones. Planteos formales del “Cinema novo” y el “Cinema marginal”, en Brasil.
Durante el primer tramo del programa, charlamos en el estudio con Adrian Muoyo (@adrianmuoyo) - director de la Biblioteca y Centro de Documentación y Archivo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), periodista y redactor en "Hacerse la crítica", integrante de la red Bibliotecas Iberoamericanas de Cine (BIBLIOCI) y miembro de la Academia Porteña del Lunfardo – quien aportó su conocimiento sobre el pensamiento de Kusch. Se abordaron aspectos como la necesidad de su pensamiento en contraste con el relegamiento de su obra en el tiempo, su aporte de carácter nacional y latinoamericano, el concepto de fagocitación, la integración entre la “pulcritud” europea y el “hedor” americano, sus aportes filosóficos más allá de su mirada desde la antropología, el concepto de pueblo y los puchometrajes.
Muoyo se quedó todo el programa con nosotros, integrándose en el segundo tramo a la conversación con Emiliano Colavitta – Docente universitario con experiencia en comunicación en medios, estudiante de la Maestría en Docencia Universitaria en la Universidad Tecnológica Nacional (UTN), locutor, poeta; actualmente trabaja en la digitalización del archivo sonoro de Rodolfo Kusch para el programa “Pensamiento Americano” de la Universidad de Tres de Febrero (UNTREF) (http://www.untref.edu.ar/pensamientoamericano/programa.php) - , quien nos contó sobre dicho proyecto además de referir a lo popular como “lo segregado de la clase media”, el viaje de Kusch a Perú y la reformulación de la idea de fragilidad, lo académico y la educación no formal, el interrogante sobre el hecho de “ser el otro”, el hecho de ensayar una palabra nueva, la “antropología filosófica” y el programa “Pensar en movimiento”. Colavitta recomendó especialmente el texto del filósofo: “Indios, porteños y dioses”. La página de la UNTREF donde hallar directamente el material de Kusch es http://untref.edu.ar/icaatom/index.php/fondo-rodolfo-kusch;isad10 months, 2 weeks ago por LuisFrancCine - 71 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Hasta hoy, el hecho maldito"
Tema del día: Pensar los vínculos entre cine y peronismo desde su irrupción en la vida política argentina. Películas y autores representativos. Los casos de Hugo Del Carril y Leonardo Favio. Políticas de Estado del primer peronismo.
Entrevistamos a Ricardo Manetti, Licenciado en Artes - Titular Regular de la UBA y la UNA, creador y ex director del BAFICI - quien más allá de actualizarnos sobre la cuestión durante el primer peronismo amplió el panorama más allá de 1946 a 1955, con la mención de trabajos de Rodolfo Kuhn, Fernando Ayala y Lucas Demare en los cuales, de diversos modos, el peronismo esta presente. También brindó un panorama sobre el rol de las mujeres en el cine de aquel período inaugural.
En el segundo tramo del programa, conversamos con Clara Kriger – Doctora en Historia y Teoría de las Artes (UBA), docente de la UBA y de la Universidad Torcuato Di Tella y autora del libro “Cine y peronismo. El Estado en Escena” – quien brindó un exhaustivo panorama sobre las políticas estatales sobre cine del primer peronismo, el rol protagónico del Estado en las ficciones, la creación de la primera ley de cine y los créditos otorgados a la industria cinematográfica.1 year, 5 months ago por LuisFrancCine - 70 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Cuerpos de la actuación”.
Tema del día: El terreno de la actuación como diversidad de estilos. Técnicas actorales. El actor como cuerpo que acciona. ¿Existe un modo de actuación argentino?
En el primer tramo del programa entrevistamos a Raúl Serrano (@maestro_raul_serrano) –maestro y referente histórico de varias generaciones de actores, autor de múltiples textos académicos sobre pedagogía teatral (como “Nuevas tesis sobre Stanislavski – Fundamentos para una teoría pedagógica” y “¿Se puede enseñar a crear? – Contexto, análisis, propuesta”) y director desde 1981 de la ETBA (Escuela de Teatro de Buenos Aires). Raúl nos hizo partícipes no solo de su metodología sino de la dimensión ética en la que la misma se apoya, estableciendo parámetros básicos como el hecho de que todo se produce en el marco de la escena, contrariamente a las búsquedas de la emoción a priori. Sobre el final de la charla reflexionó la forma de actuación argentina por excelencia, el grotesco.
Luego contamos con la palabra del director Gustavo Fontán (@ellimoneroreal_pelicula) – “La orilla que se abisma”, “El limonero real”, “La deuda” y “El piso del viento” (codirigida con Gloria Peirano), entre otras – quien compartió su forma de trabajo con los actores. Sec refirió al posicionamiento del cuerpo del actor en el plano, lo visible y lo invisible de la actuación y la armonización de las diferentes propuestas actorales en una misma obra.
Durante el segundo tramo charlamos con Carlos Belloso (@bellosoactor) – actor de teatro (ex integrante del dúo “Los melli”, junto a Damian Dreizik y creador de un vasto mundo de personajes en espectáculos de su autoría como “Para, fanático” y “Dr. Peuser”, además de trabajar con variados directores), cine (“Felicidades” de Lucho Bender, “La niña santa” de Lucrecia Martel, entre otras) y televisión, lo que le valió el reconocimiento popular mas extendido. Nos compartió principalmente su método de actuación, quien es su actor de referencia y la forma de trabajo con Lucrecia Martel.1 year, 1 month ago por LuisFrancCine - 73 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Contra la naturaleza”.
Tema del día: Fronteras, tensiones y multiplicidades del cuerpo. El cuerpo universal como atentatorio a la tensión. Mundos queer. La recepción de lo queer.
Esta emisión se propone como extensión del Programa 22 (“Cine y diversidad sexual”), para centrarnos sobre todo en los mundos queer. Para ello, contamos con la presencia de Goyo Anchou (@goyoanchou) – director recibido en la Universidad del Cine (1991-1995); entre su producción se cuentan trabajos como “Safo” (2003), “La peli de Batato” (2011), “Heterofobia” (2015) y “El triunfo de Sodoma” (2020) - . El primer tramo de la charla se centra en reflexiones sobre la ausencia en Argentina de políticas estatales para la preservación de material cinematográfico. Luego Anchou se refiere a la figura de Batato Barea como mito, a la recepción de lo queer como acto de creación por parte de les espectadores, de las condiciones y el proceso de producción de “La peli de Batato”, de la gran entrevista a Alejandro Urdapilleta incluida en el filme (el crudo sin editar es imperdible: https://www.youtube.com/watch?v=YiZnst9NAAY). En el segundo tramo del programa nos dedicamos a pensar “El triunfo de Sodoma” (aquí, un texto sobre la película: https://hacerselacritica.com/20o-doc-buenos-aires-el-triunfo-de-sodoma-tensar-la-cuerda-normativa-por-luis-franc/). El director nos cuenta su trabajo de varios años para la concepción del material, nos narra la captación documental del momento inaugural de la película en el Encuentro Nacional de Mujeres en Mar Del Plata, la utilización en el material del slogan “Muerte al macho” como concepto, la pregunta sobre el arte que atraviesa el trabajo, las posibilidades de recepción del mismo y el juego que establece con las vanguardias artísticas de principios del siglo XX.
En dos tramos del programa contamos también con la palabra de Enzo Monzón (https://www.enzomonzon.com/enzo) (@nzomonzon_audiovisuales) – realizador audiovisual rosarino, actual residente en Barcelona, entre sus trabajos se cuentan los cortometrajes “Radioactiva” (2017), “El drak de Miuka” (2018) y el largometraje “Reina hormona” (2021) – quien nos aporta sobre sus diferencias con el cine de Marco Berger, el rol del cuerpo, la diferencia entre lo trans y lo queer, lo no binario, el drag queen, la apertura del mundo LGTB hacia lo cinematográfico en modo extendido, los embarazos masculinos y sus trabajos a modo de homenaje sobre la figura de Pedro Almodovar. Nos ejemplificó su exposición con algunos de sus trabajos.7 months, 2 weeks ago por LuisFrancCine - 23 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “En busca de una imagen”.
Tema del día: Cual es el rol del director de fotografía en una película. Sentidos comunes de la fotografía.
Para profundizar en el tema, nos acompañaron durante el programa Hugo Colace – egresado de la Escuela de Arte Cinematográfico de Avellaneda (EDAC), vicepresidente de la Asociación de Autores de Fotografía Cinematográfica (ADF), docente de talleres y seminarios de fotografía y cámara para institutos y universidades de cine de Argentina (como la UBA, UNDAV y la UNPA) y en Europa y Latinoamérica; entre los realizadores con quienes trabajó se cuentan Christian Pauls, Juan José Jusid, Lucrecia Martel, Carlos Sorín y Hugo Gimenez – y Lucio Bonelli – Director de Fotografía por la Universidad del Cine (FUC), director de fotografía y camarógrafo desde el año 2000, habiendo trabajado en más de cincuenta largometrajes de ficción, documentales y series; entre los realizadores con quienes trabajó se cuentan Damian Szifrón, Lisandro Alonso, Ana Katz y Mariano Llinas - . Con ellos profundizamos en la idea del cine como construcción de climas, el vínculo del director de fotografía con el director, la relación con el guión, el trabajo con la luz y el color, primeros acercamientos al guión y profundizaciones posteriores, el rol de la puesta de cámara, los modos del trabajo y de percepción del registro fotográfico durante el período del fílmico y el pasaje a los tiempos actuales del digital, las ventajas del digital con respecto a la democratización de las imágenes, las diferencias en los usos de la cámara en ambos formatos y el condicionamiento actual de las narrativas por la incorporación de nuevos dispositivos.
Los invitados nos ampliaron su experiencia con (en orden de mención): Anahí Berneri, Lisandro Alonso, Christian Pauls, Eliseo Subiela, Damian Szifrón, Mariano Llinas, Lucrecia Martel y Hugo Gimenez.10 months ago por LuisFrancCine - 36 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: “El humor como acto de liberación"
Tema del día: Pensar el humor. Sus variadas formas. Cine y humor, desde los comienzos. Cambios de los modos de humor en el tiempo. Métodos de abordaje a través de la actuación y el guion. El humor y los genocidios. No nos reímos todos de lo mismo. La corrección política como condicionante. Contamos con la palabra de Eduardo Rojas – escritor y crítico en “El amante – cine” y actualmente en “Hacerse la crítica”- Luego reflexionamos acerca de los pensamientos sobre el tema de Damian Dreizik – actor, director, guionista – y de Sergio Langer – humorista gráfico -.1 year, 6 months ago por LuisFrancCine - 130 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Del lenguaje al mito, del mito a la literatura. ¿Y el cine?”.
Tema del día: Puentes, vínculos posibles, anexiones entre literatura y cine. Posibilidades de transposición al cine de textos literarios. La especificidad del cine y de la literatura. Cine y literatura como artes autónomas. Poéticas.
En el primer tramo del programa charlamos con Roque Larraquy (@roquelarraquy) – escritor, guionista, docente de narrativa literaria y audiovisual, ex director de la Licenciatura en Artes de la Escritura (UNA), con tres grandes novelas publicadas y traducidas a varios idiomas: “La comemadre” (2010), “Informe sobre ectoplasma animal” (2014) y “La telepatía nacional” (2020) -. Con él pensamos a la literatura y al cine en sus especificidades, nos interrogamos acerca de por qué el cine tomó el camino predominantemente narrativo y de “artefacto comunicacional” en la búsqueda de un “decir” más nítido. Luego se dedicó a desarrollar que es lo que toma el cine de la literatura, las transposiciones y sus vínculos con el texto de origen. Cerramos la charla con la referencia a las películas de Gustavo Fontán centradas en textos poéticos, como “La orilla que se abisma” (2008).
Luego conversamos con David Oubiña – periodista, crítico, guionista, Dr. en Letras (UBA), investigador del Conicet, integrante del consejo de dirección de la revista “Las ranas”, autor entre otros de los libros: “Filmologías. Ensayos con el cine” (2000), “Jean Luc Godard, el pensamiento del cine” (2003), “Estudio crítico sobre ¨La ciénaga¨” (2007) y “El silencio y sus bordes. Modos de lo extremo en la literatura y el cine” (2011), del que nos ocupamos durante la charla –. La charla circuló por la integración entre textos literarios y películas que llegan a la desarticulación del lenguaje hasta llegar a un borde, el caso de la literatura y el cine de Samuel Beckett, sobre si es o no posible pensar en un relato independientemente de las formas, las gramáticas textuales y gramáticas visuales, la “fidelidad al texto” como idea absurda, sobre como Won Kar Wai y Hugo Santiago tomaron los estilos de Manuel Puig y Jorge Luis Borges respectivamente sin tomar ningún texto específico, sobre las estategias de Saer y el Borges crítico de cine.1 year ago por LuisFrancCine - 55 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "El cine como pregunta"
Tema del día: ¿Qué es el cine? ¿Desde donde se lo aborda? De la imagen al espectáculo.
Piensa el tema con nosotros el semiólogo, docente y escritor Oscar Steimberg.
Charla sobre la pregunta del día con la periodista y crítica Paula Vázquez Prieto - redactora en Página/12 y La Nación, editora en Hacerse la crítica -1 year, 8 months ago por LuisFrancCine - 149 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: “Toda acción es política"
Tema del día: Ningún cine escapa a lo político. Cines expresamente políticos. Costa Gavras y el cine militante. Reflexiones en torno a “Lo que el viento se llevó” (Victor Fleming, 1939). Cine político argentino: Grupo Cine Liberación y Cine de la Base. Trazado del concepto de autoría en el cine argentino a través del tiempo. Los casos de “Prisioneros de la tierra” (Mario Soffici, 1939) con el recurso a la tragedia; y de “Las aguas bajan turbias” (Hugo Del Carril, 1952), con el recurso al melodrama. Los “Nuevos” cines argentinos.
Contamos con la palabra de Charo Lopez Marzano – docente de Historia (UBA) y ensayista – en relación a sus textos “El Grupo Cine Liberación o la militancia denotada” (Revista Mestiza: https://revistamestiza.unaj.edu.ar/el-grupo-cine-liberacion-o-la-militancia-denotada/) y “Por las sendas argentinas. Un derrotero por el cine político-militante de Raymundo Gleyzer” (Revista Fotocinema: https://revistas.uma.es/index.php/fotocinema/article/view/5102/4794). Luego entrevistamos a Gustavo Aprea - Doctor en Ciencias Sociales (UBA), docente de Artes Audiovisuales y Crítica (UNA) e investigador – quien estableció un recorrido por la idea de autoría en el cine argentino y de las dimensiones de lo político con eje en su ensayo “La muerte y la resurrección del autor en el cine argentino: las lecturas del cine político y las vanguardias estéticas” (en “Imagen, política y memoria” Compilación de Ricardo Yoel).1 year, 6 months ago por LuisFrancCine - 108 plays
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Editorial: “El otro y lo mismo, desde el origen del cine”
Tema del día: La construcción del otro en el cine, desde su origen hasta los géneros tradicionales. Como aparece en el documental, en el terror, en el western. El otro como quien “me robó” mi Paraíso.
En el primer tramo del programa contamos con la palabra de Natacha Mell (@natachacine) - realizadora, antropóloga, ex directora de la Escuela de Cine de Avellaneda (IDAC), investigadora del Museo del Cine y redactora de las revistas “24 cuadros” y “Extremo Sur”, coordinadora editorial de la revista internacional de arte y cultura “Voces insurgentes” y participante en diversos espacios espacios radiales sobre cine, como la columna de cine de “Filosofía Rock” en Radio Caput (@filosofiarock) - , quien se encargó de definir la otredad en oposición a la mismidad, además de pensar las principales construcciones de la otredad en el cine, el caso del documental, el tópico del exotismo, los miedos que se construyen desde el cine de terror, el cine de Jorge Preloran como alternativa a la construcción de otro y el caso del cine fronterizo argentino con eje en Lucas Demare y “La guerra gaucha” (1942).
Durante el segundo tramo charlamos con Oscar Cuervo – filósofo, docente, periodista, director de la revista digital La Otra (@laotra21) (https://tallerlaotra.blogspot.com/) y especialista en la filosofía de Soren Kierkegaard, sobre el cuál escribió varios artículos y el texto “Kierkegaard. Una introducción” (Editorial Quadrata) -, con quien abordamos a las construcciones sobre el otro en el cine de géneros norteamericano, en especial en el western. En tal sentido referimos durante la conversación a la película “The taking” (Alexandre O. Philippe, 2021), que deconstruye al western como creador de un espacio ficcional mítico. Luego se avanzó sobre el cine de Clint Eastwood como continuidad de esa tradición, para concluir sobre el cine del israelí Avi Mograbi como apuesta a una forma que denuncia la otredad en su país. Estuvo presente también la reflexión sobre el escaso cuestionamiento a la construcción de otredad en el western por parte de sectores de la cinefilia.1 year, 3 months ago por LuisFrancCine - 55 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Invisibilizaciónes y luchas"
Tema del día: Pensar el rol de las mujeres en el cine, con eje en las realizadoras. Cámaras de mujeres como posibilidades de lo múltiple. Mujeres y estereotipos. Los mundos de María Luisa Bemberg, Albertina Carri y Lucrecia Martel. La primera realizadora de cine sonoro en Argentina: Vlasta Veh.
Tomando como base el informe sobre mujeres directoras publicado en “Hacerse la crítica”, nos prestan su voz el crítico y editor de la página Gabriel Orqueda, a propósito de su texto sobre el cine de María Luisa Bemberg (https://hacerselacritica.com/informe-mujeres-directoras-maria-luisa-bemberg-por-gabriel-orqueda/), la Licenciada y Profesora en Artes Constanza Grela quien escribe sobre la obra de Albertina Carri (http://hacerselacritica.com/informe-mujeres-directoras-albertina-carri-por-constanza-grela/) y la crítica y ex co-directora de la revista “Pez dorado” Soledad Bianchi quien trabaja el cine de Lucrecia Martel (https://hacerselacritica.com/informe-mujeres-directoras-lucrecia-martel-por-soledad-bianchi/).
Durante el segundo tramo conversamos con la guionista y realizadora audiovisual Candela Vey, quien se encuentra dirigiendo junto a Tino Pereira el documental “Vlasta, el recuerdo no es eterno” sobre Vlasta Lah, primera directora de cine sonoro en Argentina cuyos dos largometrajes - “Las furias” (1960) y “Las modelos” (1963) – se encuentran disponibles en Youtube. Además de trazar una semblanza sobre la directora, Vey nos actualizó sobre el tratamiento de las mujeres en el trabajo de Lah para finalmente referir a su propio trabajo sobre la autora, actualmente en proceso.1 year, 4 months ago por LuisFrancCine - 85 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "El ser del cine"
Tema del día: El cine, ante todo es percepción. La percepción como tema mismo en las películas.
Piensan el tema con nosotros el crítico, analista y docente Roger Koza y el cineasta y escritor Gustavo Fontán, con quien aprovechamos para charlar sobre "Maraña", compilación de ensayos de su autoría.1 year, 7 months ago por LuisFrancCine - 118 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tiempo y recepción”.
Tema del día: Diversas posibilidades del tiempo en el cine. Desde el más tradicional – tiempo lineal, de ritmo sostenido – hasta otras alternativas de quiebre con dicha costumbre. La forma-género, las posibilidades de apostar a la cadencia en el plano y las alternativas a lo mental.
Antes de meternos de lleno en el tema, entrevistamos a Horacio Mosquera – director del Museo Histórico Nacional del Cabildo y la Revolución de Mayo -, quien nos actualizó sobre el sentido simbólico del museo, las refacciones que se están efectuando, las nuevas políticas de la institución y las actividades que se están llevando a cabo.
Luego continuamos con nuestro tema central con referencias a Henri Bergson y a los dos tomos de Gilles Deleuze sobre cine: “La imagen-movimiento” y “La imagen-tiempo”, invitando luego a participar de la charla a Nicolás Zukerfeld (@nzukerfeld) - director de cine y profesor de la Universidad del Cine (FUC) en Historia del Cine 1, Guión 2 y Documental, miembro del staff de “Revista de Cine”, editado por la misma institución –, quien disparó su participación a partir de la experiencia en sus clases y la referencia al ineludible Alain Resnais. Luego, seguimos abordando el tema central haciendo eje en su última película “No existen 36 maneras de mostrar como un hombre se sube a un caballo” (2020).
1 year ago por LuisFrancCine - 44 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Un espacio se puebla”.
Tema del día: De escenografías y puestas en escena. Pensamientos de los espacios en relación a las estructuras cinematográficas. Verosímiles del espacio, artificio, realismo. La disposición de los elementos. Creación de una atmósfera a partir del concepto de escenografía. El rol del vestuario.
Luego de trazar un panorama general sobre las posibilidades de la escenografía en relación a las estructuras en cine, consultamos a un profesional de varias décadas en lo que hace al diseño de escenografía y vestuario: Alejandro Mateo – quien cuenta entre sus maestros a Agustin Alezzo, Guillermo de la Torre y Susana Torres Molina; Mateo es además un director teatral de vasta experiencia (“Ojo al bagre”, “Ayer soñé con la muerte”, “Locas por Manuel”, “Mujeres porteñas”, “Puesta en claro”, “Puto”, entre otras); participa de Teatro Abierto 1983/84 y en Teatro por la Identidad, y hace una enorme carrera como escenógrafo y vestuarista en teatro y cine, con trabajos para Alejandro Tantanián, Arístides Vargas, Oscar Barney Finn, Osmar Nuñez, Lía Jelin, Bernardo Cappa y Gustavo Fontán -. La conversación se centró sobre todo en su mirada como escenógrafo, en la distinción entre escenografía y puesta en escena, en el pensamiento sobre un espacio escenográfico que proponga un reposicionamiento de los cuerpos en escena y del de los espectadores más allá de su habitual comodidad en la butaca, y en el espacio como invención. Como gran ejemplo, nos contó sobre sus trabajos con Gustavo Fontán, con eje en “El limonero real” y “La deuda”, y sobre su experiencia con Tantanian por un lado, y con “Teatro Abierto” por otro. Las referencias al papel del vestuario encontraron un interesante punto a la hora de clarificar las diferencias de búsqueda con verosímiles televisivos.11 months, 1 week ago por LuisFrancCine - 35 plays
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Editorial: “Del sentido común a la subjetividad”.
Tema del día: ¿Qué es la crítica? Pensar la crítica cinematográfica. Diversas aproximaciones al acto de la crítica. Críticos y espectadores. ¿Cómo abordar un material fílmico? La crítica en el tiempo. Crítica argentina.
En el primer tramo del programa charlamos con Paula Vazquez Prieto (@paulavazquezprieto) – ex redactora de “El Amante – Cine” - redactora en el suplemento Radar de Página/12 y La Nación y editora en “Hacerse la crítica” – quien nos compartió su modo de entender al acto de la crítica además de establecer los periodos centrales de la crítica de cine en las diferentes épocas. Luego pasamos por la diferencia entre crítica especializada y no especializada, las formas de la crítica contemporánea y el hecho del juicio valorativo. Sobre el final, reflexionamos sobre las politicas corporativas en algunos medios de comunicación.
En la segunda parte nos dedicamos a reflexionar sobre lo charlado con Paula durante el primer bloque del programa, tomando como eje los modos de acercamiento a la percepción de una película, de que hablamos cuando nos referimos a la estructura de un material, y lo que el material devela más allá de la misma. En los últimos minutos pensamos en la dificultad entre lo que a cualquier crítico/espectador le pasa con un film, en relación al hecho de que eso se constituya en una crítica.1 year ago por LuisFrancCine - 46 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tabula rasa vs. memoria"
Tema del día: Pensar las políticas estatales y privadas sobre conservación de material fílmico. Las películas como preservación de memoria de los pueblos y del cine. La temática en el seno del cine mismo, a partir de una película. Aproximación a una línea de tiempo histórica global y local en relación al tema. El Archivo Gráfico de la Nación como primera experiencia estatal de preservación de material cinematográfico, durante el primer peronismo.
En la primera parte contamos con la palabra del realizador, cineclubista, creador y programador del cineclub Dynamo Carlos Muller (@dynamocineclub), quien toma la problemática en sus manos a través de su documental “La vuelta de San Perón” (2021), donde seguimos su propio itinerario en busca del origen de un cortometraje sin créditos que llegó azarosamente a sus manos, sobre una mujer humilde con diecisiete hijos, quien espera en 1973 la vuelta de Perón de su exilio. Muller se explaya sobre su propia necesidad de hacer algo ese material, aspectos formales de su trabajo y sobre la diferencia entre lo que se dice y lo que se hace desde el Estado con respecto a la conservación.
Durante el segundo tramo conversamos con Laura Gomez (@preser.av)– preservadora y restauradora de material fílmico, investigadora y docente – quien nos actualizó sobre la preservación a nivel global como marco general, y especialmente en Argentina. En tal sentido, especificó sobre la creación del Archivo Gráfico de la Nación – especial momento histórico luego invisibilizado, en que se promovió la cuestión desde el aparato estatal - durante el primer peronismo. Y la relevancia de la Ley 25.119, impulsada por Pino Solanas y sancionada en 1999, la cual precisa hoy una reactualización. También nos contó sobre la importancia y urgencia de políticas en tal sentido, y en qué consiste el trabajo de preservación y restauración. Destacó también el rol de la Cineteca Vida y la Filmoteca Narcisa Hirsch, sitios en donde se destaca su trabajo.
1 year, 4 months ago por LuisFrancCine - 44 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Un sonido que ya pertenece al mundo"
Tema del día: ¿Cómo surge el tango? ¿Cuáles son sus marcas identitarias? El abrazo y el baile en los orígenes. Momentos históricos donde el tango estuvo en problemas: a principios del siglo veinte, en los años treinta y desde el 55 con el advenimiento de “Los jóvenes viejos”. La cultura del tango en la conformación de las imágenes cinematográficas argentinas. La impronta moral. Películas representativas de la temática del tango. Su influencia en la forma de aquellas.
En el primer tramo del programa, contamos con la palabra del Dr. en Ciencias Sociales, investigador y autor de variados estudios sobre filosofía, política y tango Gustavo Varela (@gustavovarelaok) a propósito de su texto “Tango y política. Sexo, moral burguesa y revolución en Argentina” (2016, Ediciones Ariel). El mismo trazó un panorama histórico-cultural del tango desde fines del siglo XIX hasta el período democrático de los años ochenta y el coletazo de la globalización y el neoliberalismo. Durante el segundo tramo charlamos con Adrián Muoyo (@adrianmuoyo) - periodista e investigador sobre tango y de articulaciones entre tango y cine, director de la Biblioteca INCAA – ENERC y redactor en “Hacerse la crítica” - quien se explayó sobre el tango como creación rioplatense, sobre como se expresa a través del cine, y sobre el caso de Carlos Gardel. Finalmente estableció una brecha que se inaugura en 1955, cuando entra en crisis el proyecto de un país soberano y el tango pasa a transformarse en resistencia cultural, expresada también en las ficciones.
Las películas representativas que se mencionan en el programa son “Tango!” (Luis Moglia Barth, 1933), “Puerto nuevo” (Luis César Amadori, Mario Soffici, 1936), “Sur” (Fernando Solanas, 1988) y “Los jóvenes viejos” (Rodolfo Kuhn, 1968) como contradiscurso. Además, se referencian a los textos de Muoyo “La otra dimensión del mito. Gardel y el cine” (https://hacerselacritica.com/la-otra-dimension-del-mito-gardel-y-el-cine-por-adrian-muoyo/) y “Puerto Nuevo (Amadori y Soffici, 1936) en la encrucijada de su tiempo” (http://orillera.undav.edu.ar/puerto-nuevo-amadori-y-soffici-1936-en-la-encrucijada-de-su-tiempo/).1 year, 3 months ago por LuisFrancCine - 60 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "Estereotipos ficcionales y formas emergentes en lo marginal"
Tema del día: Los clichés sobre la villa. Ficciones cinematográficas y televisivas. Apropiaciones simbólicas. Las cámaras-villa que surgen de los barrios. Percepciones desde adentro. Productoras villeras de contenidos artísticos.
En el primer tramo del programa recordamos las palabras del cineasta y poeta César González, centrándonos en su pensamiento sobre las cámaras que proviene del seno mismo de la villa, de diferentes concepciones de lo bello en un plano, del descubrimiento del cine y de los personajes erráticos que circulan por su obra. Luego conversamos con el cineasta y productor Manu Cabral quien participó de la mayoría de las películas de Gonzaláz, y nos cuenta de sus propios emprendimientos: la productora SISMOSUR – que integra a los mayores referentes de los barrios – y sus proyectos en gestación, además de referirse a las ficciones que estigmatizan a la villa. Nos despedimos con unas palabras del rapero y actor Alan Garvey y sus proyectos con la música y el cine.1 year, 5 months ago por LuisFrancCine - 65 plays
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